Pameran grafik seni bina "Hanya Itali!" Terbuka untuk umum di Bangunan Kejuruteraan Galeri Tretyakov. Separuh pameran terdiri daripada koleksi Yayasan Sergei Tchoban, separuh - lukisan dari Galeri Tretyakov Negeri, dan beberapa lagi - karya empat seniman-arkitek kontemporari: Maxim Atayants, Sergei Kuznetsov, Mikhail Filippov dan Sergei Tchoban.
Pameran ini sangat mengagumkan kerana banyak sebab. Pertama sekali, grafik seni bina berkualiti tinggi adalah bahan yang dilupuskan untuk diri sendiri. Memeriksa dari lembaran ke lembaran, memeriksa secara terperinci keriting, bayangan, kakitangan, pesanan adalah kesenangan yang sempurna.
Sebaliknya, tidak boleh dikatakan bahawa arkitek sering ditunjukkan di Galeri Tretyakov. Mereka hampir tidak pernah ditunjukkan di sana. Dan di sini - pameran menyatukan bukan sahaja perkara dari gudang galeri, yang tidak mempunyai peluang untuk ditunjukkan pada masa yang lain, dengan helaian dari koleksi dana Tchoban yang disimpan di Berlin. Di tengah-tengah segalanya, seperti mahkota penciptaan, adalah lukisan arkitek moden.
Reka bentuk pameran itu dimiliki oleh biro SPEECH dan Sergei Tchoban, yang mengatur karya-karya sezamannya (termasuk karya sendiri) di sebuah dewan rotunda kecil; di galeri di sekelilingnya, grafik abad ke-20 dipamerkan; pada jarak yang jauh, di dua ruang segi empat lagi, helaian abad ke-18 - 19 dipamerkan, dibahagikan kepada dua blok: "Kelahiran Tema" dan "Rossika" (karya orang asing di Rusia). Oleh itu, kronologi menyimpang dalam bulatan di ruang pameran, atau, lebih tepatnya, menyimpang dari masa lalu ke masa sekarang: sesuatu seperti bulatan di atas air, sebaliknya.
Perlu diingatkan bahawa SPEECH secara konsisten mengembangkan motif dewan bulat dalam kerjanya dengan reka bentuk pameran: sudah cukup untuk mengingat pameran "Museum Grafik" di ArchMoscow pada tahun 2013 (ketika Muzium Grafik Berlin belum dibuka), atau dua reka bentuk pameran paviliun Rusia di biennale seni bina Venesia: diorama indah kota Vyshny Volochok pada tahun 2010 dan "Pantheon" dari kod QR 2012, baru-baru ini
dicipta semula di Zaryadye. Ruang bulat agak jarang dalam reka bentuk pameran moden - ruang rotunda tidak begitu selesa untuk dipamerkan, kerana cenderung membanjiri pameran dan kelihatan lebih penting dan berharga dalam dirinya. Ini adalah kuil, bukan muzium, tempat tumpuan atau bahkan perkhidmatan.
Kualiti pusingan ini ditekankan dan digunakan dalam gantung. Grafik Masa Baru dipamerkan sesuai dengan semua peraturan pameran muzium dan dengan hormatnya. Di ruang putaran di sebelah kiri, lembaran grafik tidak lagi berharga, menjadi bahagian bawahan plot ruang. Lembaran Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban digantung dalam dua baris, tanpa memusatkan perhatian pada setiap karya individu sebagai nilai muzium (grafik abad ke-20 di galeri pekeliling berfungsi sebagai peralihan, pusaran itu sendiri telah menghilangkan muzium ketegaran).
Makna penyataan itu cukup jelas. Grafik moden bukan sekadar pameran di sini, melainkan pernyataan mengenai hakikatnya - misi untuk meneruskan dan menghidupkan semula tradisi lukisan klasik. Itu adalah sebahagian dari kuil seni khayalan, sementara koleksi sejarahnya seperti sakristinya, tempat penyimpanan spesimen berharga.
Ini adalah ciri bahawa pernyataan dalaman plastik, yang dengan begitu halus menafsirkan isi pameran, tetap berada dalam kerangka bahasa klasik. Sepenuhnya tanpa pesanan, tetapi perincian dan pengalaman ruang ditambahkan ke ruang bulat oleh helaian grafik sebenar. Mereka adalah seni bina sementara. Pertimbangkan, misalnya, sisi bulat Pantheon, yang diartikulasikan oleh tiang lengkung pemunggahan yang dilukis dengan rapi: "pantheon in the pantheon" meneruskan permainan yang dimulakan lebih jauh, sudah berada di ruang khayalan di belakang bidang lembaran grafik.
Untuk apa yang telah dikatakan, masih perlu ditambahkan bahawa pameran itu, bermula dengan "pengasas" abad ke-18, lebih jauh meneroka tradisi Rusia yang sangat mengagumi Itali, dan lebih dekat ke 21 ternyata tradisi ini telah memperoleh di sini beberapa ciri-ciri yang sangat istimewa, tidak terlepas dari kekaguman dan, dalam erti kata yang baik, obsesi, yang begitu halus ditangkap oleh bentuk balai dewan. Tidak ada yang mengaku kajian barang antik dengan ikhlas seperti Maxim Atayants; tidak ada yang menyangka bahawa senibinanya lahir dari lanskap cat air, seperti Mikhail Filippov; tidak ada yang begitu komited terhadap nilai intrinsik genre grafik seni bina seperti Sergei Tchoban, yang mencipta muziumnya, dan Sergei Kuznetsov, yang terus menerus pergi ke udara terbuka. Bersama-sama, hasilnya adalah fenomena yang heterogen, tetapi pasti unik.
Kami bercakap dengan keempat-empat peserta pameran Bilik Lukis Kontemporari.
***
Sergey Choban Archi.ru:
Adakah ini benar-benar pameran lukisan seni bina terbesar yang dibuat dengan penyertaan yayasan anda pada masa ini?
Sergey Choban:
- Saya rasa betul. Baik dari jumlah karya yang dipersembahkan dan mengikut tempoh yang diliputi, ini adalah pertunjukan terbesar. Berikut adalah karya penulis Eropah Barat yang luar biasa, pengasas sekolah lukisan seni bina abad ke-18, dan sebilangan besar grafik oleh seniman dan arkitek Rusia yang luar biasa yang bekerja secara aktif dalam konteks ini.
Pameran grafik seni bina, yang diatur oleh yayasan anda, sudah terbentuk mengikut urutan tertentu. Adakah rancangan umum, vektor pembangunan, atau plotnya diciptakan semula setiap kali?
S. Ch.: Secara umum, setiap kali diciptakan semula, walaupun kita mempunyai prinsip-prinsip tertentu. Khususnya, kami berusaha untuk bekerjasama dengan institusi muzium terkemuka. Salah satu projek kami seterusnya adalah bersama Albertina dari Vienna. Dr. Schroeder [pengarah Muzium Albertina di Vienna - Archi.ru] berada di dewan muzium kami di Berlin dan menyatakan hasrat untuk membuat projek bersama - kami sangat gembira dengan ini dan bangga dengan cadangan ini. Terdapat projek lain juga.
Ada rancangan untuk bekerjasama dengan Muzium Senibina Shchusev, saya rasa ini sangat penting.
Anda adalah pengumpul, artis grafik, pereka, arkitek - bagaimana kaitannya antara satu sama lain?
S. Ch.: Nampaknya saya ini adalah hubungan yang berbeza dari pekerjaan yang sama. Dalam konteks sejarah, arkitek juga seniman; mereka tidak hanya terlibat dalam bangunan ibukota, tetapi juga dalam rancangan panggung, pertunjukan teater.
Sehingga abad ke-20, arkitek tidak mempunyai fotografi …
S. Ch.: Saya berpendapat bahawa fotografi tidak mempunyai tujuan yang sama dengan lukisan seni bina. Lukisan itu menangkap bahagian terpenting dalam kreativiti manusia - seni bina yang dicipta oleh seseorang di dalam ruang semula jadi.
Sementara itu, Maxim Atayants dan Mikhail Filippov membuat seni bina klasik, tetapi anda tidak
S. Ch.: Tentu tidak, ini tidak berkaitan langsung dengan seni bina yang sedang kita laksanakan. Menurut saya, kajian seni bina dengan melukis dapat menghasilkan hasil yang sama sekali berbeza: ini adalah kajian mengenai perkadaran, dan kesan ruang, dan kain, dan perincian. Bukan apa-apa bahawa hari ini, bukan hanya di bahasa Rusia, tetapi juga di banyak sekolah Eropah, banyak perhatian diberikan kepada lukisan, kerana hanya melalui lukisan anda dapat melihat bagaimana bahan struktur yang berbeza digabungkan satu sama lain, bagaimana kain dari butiran terkecil saling mengalir.
Lukisan anda di pameran selalu menjadi karya yang sangat siap, yang dilukis dari alam semula jadi. Mengapa anda tidak menunjukkan lakaran?
S. Ch.: Pertama, tema pameran ini cukup pasti, tidak bermaksud perkara lain. Dan kedua, gambar itu sendiri mesti mempunyai kualiti yang bebas. Lakaran tidak selalu mempunyai kualiti ini.
Adakah lukisan anda tumbuh lebih banyak dari koleksi anda atau dari seni bina anda?
S. Ch.: Saya fikir bahawa koleksi itu berkembang daripada lukisan. Dan banyak seni bina yang saya hasilkan daripada lukisan. Ia tidak tumbuh dengan lurus. Tidak ada perkara yang anda melukis bangunan dari zaman kuno, dan kemudian merancang sesuatu yang serupa. Kemudian anda merancang sesuatu yang lain, kerana undang-undang pengembangan ruang berbeza.
*** Kami berjaya menanyakan tiga peserta lain dalam pameran yang sama, dalam hal ini penting, pertanyaan: adakah grafik mereka berbeza dari yang bersejarah, dan jika demikian, bagaimana.
Maxim Atayants
Bagaimana grafik anda berbeza dengan yang bersejarah yang dipaparkan di sini di pameran?
M. A.: Grafiknya sangat berbeza di sini … Saya merasakan bahawa keempat-empat peserta pameran kontemporari berbeza antara satu sama lain seperti yang mereka lakukan dari mereka yang menggantung di dewan lain pameran ini.
Zaman berbeza. Grafik moden tidak dapat dipengaruhi oleh kelebihan visual moden yang besar. Selama dua tahun terakhir, lebih banyak gambar telah diambil di dunia daripada di seluruh sejarah sebelumnya sejak daguerreotype pertama. Tekanan redundansi visual memaksa kita untuk memperlakukan lukisan dengan cara yang berbeza dan mengeluarkan sesuatu dari sana yang bukan, misalnya, dalam fotografi. Saya seorang jurugambar yang cukup profesional, jadi penting bagi saya untuk membandingkan perkara-perkara ini. Tetapi saya takut untuk merenungkan topik ini dengan sengaja, kerana tugas melukis dan fotografi adalah sama … Saya ingin menyatakan kegembiraan dan kegembiraan saya pada pertemuan dengan bangunan-bangunan ini. Mungkin, Quarenghi menyelesaikan masalah yang sama. Dan hasilnya berbeza, kerana zamannya berbeza. Bagaimana lagi untuk menjawab ini?
Mengapa anda bukan sahaja bergambar, tetapi juga melukis?
M. A.: Tetapi dengan ini saya dapat menjawab dengan mudah. Kerana mekanisme yang berbeza terlibat. Melukis adalah cara belajar, satu-satunya jenis aktiviti manusia di mana otak, mata dan tangan terlibat secara serentak dengan intensiti yang sama. Tidak mungkin menghabiskan satu jam dengan teliti dan peka melihat beberapa seni bina jika anda tidak melukis. Ini adalah kaedah belajar.
Kami mengambil gambar untuk dikongsi orang lain, dan melukis sendiri. Untuk asimilasi. Dalam kes saya, sekurang-kurangnya.
Adakah anda pernah melukis dari gambar?
M. A.: Sudah tentu, seperti mana-mana orang bodoh yang belajar di Akademi Kesenian, saya menarik diri dari fotografi pada waktu malam, ketika, misalnya, saya tidak mempunyai masa untuk menyelesaikan makalah saya. Kemudian nampaknya saya lebih mudah. Sekarang saya cuba untuk tidak melakukan ini, kerana ini adalah proses peniruan yang tidak bermakna. Pada pendapat saya, intinya adalah menarik dari kehidupan.
Apabila saya melukis, memahami sesuatu, maka proses ini mendalam. Mengapa mempermudahnya sambil berusaha mendapatkan hasil yang sama dengan murah? Atau secara luaran kelihatan sama. Sekiranya anda tidak mempunyai masa untuk menyelesaikannya di tempat, kadang-kadang, tentu saja, anda mengintip gambar … Tetapi ini adalah perkara kedua. Sungguh mengagumkan bahawa sekarang lebih sukar dan lebih lama bagi saya untuk mengambil gambar daripada dari alam semula jadi. Memang betul.
***
Sergey Kuznetsov
Bagaimana grafik anda berbeza dengan yang bersejarah yang dipaparkan di sini di pameran?
S. K.: Saya dengan rendah hati mengatakan bahawa kita tidak boleh melakukan itu. Saya gembira dengan karya Maxim Atayants, yang menemui sumber dalam dirinya, dapat menyelam dan pergi ke tahap perincian yang berbeza - jelas bahawa sukar tidak bererti baik, tetapi tidak bermaksud buruk - tetapi bagaimanapun, apa yang dicapai oleh tuan-tuan lama, dan dalam kesabaran, dan dalam kerja keras, dan di mata - ini sangat mengagumkan. Kita mesti belajar … saya masih melihat dengan iri hati pada grafik yang disajikan di sini; menguasai kemahiran seperti itu, tentu saja, akan menjadi hebat.
Adakah melukis seni bina klasik bermaksud berusaha membina seni bina klasik?
S. K.: Tidak, itu tidak bermaksud sama sekali. Melukis seni bina klasik tidak boleh dikaitkan dengan reka bentuk seni bina klasik, sama seperti membaca The Three Musketeers tidak bermaksud bahawa anda sudah bersedia untuk mengayunkan pedang esok.
Bagaimana kemudian seni bina dan lukisan berkaitan dengan anda secara peribadi?
S. K.: Dalam pengertian ini, saya adalah orang sekolah lama, saya menghargai kemahiran asas, kemahiran. Nampaknya cara seni bina dibuat tidak berubah dan tidak boleh berubah: seseorang mesti melalui fikiran, sensasi, perasaan melalui dirinya sendiri - komputer tidak akan membenarkan meluahkan segalanya. Saya sangat menyukai grafik komputer, saya mempunyai banyak penerbitan dan pameran, ini memberi saya peluang untuk membandingkan kerja dengan tangan dan mata saya - dan bekerja dengan komputer. Apabila anda dapat mengawal tangan anda dan dapat menggambarkan apa yang ada di kepala anda dengan tangan anda sendiri, ia akan membantu anda secara peribadi, dan juga berfungsi dengan baik sebagai alat pujukan.
Mengapa anda tidak menunjukkan grafik lakaran?
S. K.: Dalam kes ini, tidak wajar … Ini bukan kedudukan sedar; akan ada cadangan - kami akan mempamerkan. Secara amnya, ini tidak benar, kami mempamerkannya - pada pameran "arkitek tahun ini" di Arch Moscow kami mempunyai lakaran. Kami mempunyai banyak lakaran berkualiti. Tulisan tangan, menurut pendapat saya, tidak akan menarik minat penonton. Secara umum, saya mengatakan bahawa minat penonton terhadap sesuatu karya adalah berkadar langsung dengan jumlah kerja yang dilaburkan di dalamnya.
Bagaimana anda mula melukis seni bina sejarah?
S. K.: Saya mula melukis lama sebelum memasuki kuliah. Ibu bapa saya sama sekali tidak berkaitan dengan seni atau seni bina, tetapi saya terbawa oleh pelbagai kreativiti, prototaip, melukis, dan jadi saya mengikuti kursus persediaan di Institut Senibina Moscow. Sejak itu saya tidak berhenti melukis; walaupun selepas institut itu ada jeda ketika saya tidak lagi terlibat dalam manual, tetapi dalam grafik komputer.
Kemudian, mula bekerja dengan Sergei Tchoban, sekitar tahun 2006, saya mencadangkan agar dia pergi ke bandar-bandar yang berbeza, melukis seni bina. Sejak itu, kami kerap melakukan perjalanan beberapa kali dalam setahun untuk melukis seni bina. Perjalanan pertama kami ke udara terbuka di Rom, misalnya, adalah di jejak Piranesi.
***
Mikhail Filippov
Bagaimana grafik anda berbeza dengan yang bersejarah yang dipaparkan di sini di pameran?
M. F.: Saya tidak dapat menjawab soalan seperti itu. Saya dapat memberitahu anda bagaimana grafik seni bina berbeza dengan landskap seni bina. Saya telah menjadi ahli Kesatuan Seniman selama 30 tahun dan telah mempamerkan sebagai seniman di banyak tempat, termasuk Galeri Tretyakov dan Muzium Rusia. Bagi saya, soalan ini benar-benar jelas. Landskap seni bina yang dilakukan oleh nenek moyang kita adalah, pertama-tama, lukisan dan penyusun lembaran berkualiti tinggi dengan pendekatan artistik. Malangnya, kebanyakan arkitek melukis objek kegemaran mereka sebagai perspektif kecil, dan bukan sebagai pemandangan.
Pada zaman Soviet, saya bahkan bekerja di bawah kontrak Akademi Seni sebagai pelukis landskap tulen. Semasa perestroika, orang Serov berkuasa di sana - kebanyakan mereka adalah seniman, realis, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian yang baik … Grafik teknikal yang kuat juga ada di sana.
Grafik Soviet yang lain dibangunkan ke arah organisasi lembaran moden: sebagai contoh, jika airnya ringan, maka ia ditulis sepenuhnya putih, dan seterusnya. Semasa saya mula menulis, saya lebih memikirkan nuansa, nada pertengahan; warna putih malam, kualiti gambar, kehalusan perspektif … Ini menjadikan saya cukup unik pada masa itu, orang-orang tua ini sangat menyayangi saya. Saya bekerja di bawah kontrak, datang dan menunjukkan kepada mereka, mereka membuat komen - rasanya tuan-tuan memerhatikan saya.
Jadi saya tidak merasakan banyak perbezaan dengan tuan lama. Sekiranya mereka tidak membuat lukisan teknikal, tetapi lanskap. Pendekatan ke lanskap seperti seorang seniman. Fakulti seni bina Akademi Kesenian pada satu masa dahulu mengupah mereka yang melukis dengan lebih baik, dan lukisan itu - mereka yang melukis lebih buruk. Dan mereka memberikan diploma dengan nama "seniman seni bina" - ini dirumuskan sehingga beberapa tahun, saya tidak ingat dengan tepat. Saya tidak merasakan apa-apa perbezaan dengan mereka, terutama ketika datang ke karya dari awal abad ini. Saya dibesarkan dalam karya Ostroumova-Lebedeva.
Walaupun bagi saya nuansa lain menarik - malam putih. Landskap Rusia bernuansa indah di negeri-negeri pertengahan. Contohnya, Vasiliev - cair, tidak ada musim sejuk, tidak ada musim bunga, tidak ada cahaya, tidak ada kegelapan, nada separuh, sinar matahari … Anda tidak akan menemui pemandangan berkualiti tinggi dalam lukisan dunia, di mana akan ada warna biru terang langit dan kehijauan yang terang! Mungkin Rylov mungkin mempunyai sesuatu seperti itu, atau Cezanne, tetapi sudah berbeza.
Ternyata anda mempunyai dua tema: landskap seni bina dan seni bina anda …
M. F.: Tidak! Tidak ada perbezaan. Seni bina yang indah harus dikaitkan dengan alam semula jadi, dengan matahari. Saya tahu dan suka sejarah seni dengan sangat baik. Pada tahun 1980-an, sangat menarik bagi saya untuk meneruskan apa yang telah dipotong pada usia dua puluhan, ketika lukisan entah bagaimana mulai berubah menjadi - mungkin sangat berkualiti tinggi - tetapi modenisme.
Adakah anda fikir ia benar-benar tumbuh bersama?
M. F.: Ya, ini adalah kenyataan mutlak. Pada bulan Januari tahun ini, saya menyerahkannya - hutan telah dikeluarkan dari bangunan kediaman seluas 750 ribu meter persegi.
Di Sochi?
M. F.: Tidak hanya di Sochi, di Moscow terdapat sebuah rumah di Marshal Rybalko Street. Saya jamin, ini adalah perwujudan gaya 2001 yang saya buat tiga puluh tahun yang lalu.
Adakah anda merasakan ini sebagai perwujudan lukisan anda?
M. F.: Ya, ya … saya tidak nampak perbezaannya.
Percaya atau tidak, saya lulus dari Akademi, menghasilkan konsep dan selepas itu saya mengambil kuas dan cat air untuk pertama kalinya. Saya tidak menulis di Akademi atau di sekolah seni. Dan jika saya menulis, mustahil untuk melihat apa yang saya buat ketika itu.
*** pameran dibuka sehingga 27 Julai (waktu operasi)
