Pada sidang media menjelang pembukaan Biennale, presidennya, Paolo Barrata, sangat memuji kurator Aaron Betsky kerana mencadangkan cogan kata yang sukar difahami 'Di luar sana' untuk pameran seni bina yang kini berlangsung di Venice - seni bina yang paling mewakili pameran di dunia. Senibina di luar bangunan '. Menurut Barrata, topik ini pelbagai aspek, bermakna dan membuahkan hasil. Ini memprovokasi pencarian kreatif dan oleh itu dwitahunan seni bina semasa mungkin yang terbaik dalam sepuluh tahun terakhir. Kurator Aaron Betsky menerima pujian itu dengan baik - setelah itu dia harus menjawab pertanyaan wartawan sejak sekian lama, menjelaskan bahawa sebenarnya dia menyukai bangunan dan tidak berniat mengubah biennale seni bina menjadi cabang Biennale of Art Contemporary, dan juga bahawa dia sama sekali bukan utopia, tidak berlegar di awan dan impian menjadi kenyataan.
Jadi, topik yang ditetapkan oleh Betsky dari segi kekaburan nampaknya telah melampaui semua pameran sebelumnya. Lebih-lebih lagi, ia boleh diterjemahkan dengan cara yang berbeza - sama ada "luar", atau "sebelumnya", atau "lebih". Perkataan lain 'luar', yang kini ditampal di seluruh Venice (terutama banyak di paviliun Itali) diterjemahkan sebagai "akhirat". Ini secara tidak disangka-sangka menyatakan bahawa kurator Biennale telah mendefinisikan bangunan sebagai "makam seni bina" - seni bina, menurut pendapatnya, adalah cara berfikir tentang bangunan, dan apabila dibina, ia akan mati. Di Venice, sebuah kota muzium yang diam-diam tenggelam di bawah air, ini terdengar sangat menenangkan dan, dengan sengaja, membuat anda mengingati bandar Kitezh Rusia.
Walau bagaimanapun, tugas kurator harus difahami sebaliknya - dia, tentu saja, tidak mahu membunuh seni bina, tetapi untuk menghidupkannya semula (dan pameran) dengan cara biasa - dengan melampaui kerangka dunia seni bina itu sendiri dalam mencari pembaharuan. Aaron Betsky mendorong peserta Biennale untuk bereksperimen, beralih ke bidang pawagam, seni, reka bentuk, seni bina lanskap dan persembahan. Eksperimen, katanya, dapat berbentuk struktur sementara, serta gambar "kadang-kadang tidak jelas."
Yang terakhir nampaknya merupakan bahagian penting dalam konsep Betsky. Ketidakpastian adalah kekacauan, dan dari kekacauan sesuatu yang baru seharusnya dilahirkan. Anggaplah bahawa impian utama setiap pengkritik dan ahli teori bukan sahaja menggambarkan proses yang diperhatikan, tetapi juga mempengaruhinya. Apabila ini berlaku, sangat kuat, tren landasan teori muncul dalam seni. Kembali ke seni bina, mudah diperhatikan bahawa setelah semangat untuk munculnya seni bina nonlinear dalam beberapa tahun terakhir, tidak ada yang istimewa yang terjadi di dalamnya, stagnasi digariskan. Biennale adalah pameran seni bina yang paling berpengaruh, dan tidak menghairankan bahawa dengan pertolongannya, Betsky berusaha untuk "membangunkan" seni bina moden, untuk menimbulkan kekacauan, dari mana sesuatu yang baru diharapkan muncul. Kekacauan, bagaimanapun, boleh berbeza - produktif dan merosakkan, kekacauan generasi dan kehancuran (kadang-kadang, bagaimanapun, seseorang berkembang menjadi yang lain). Kekacauan juga boleh menjadi semula jadi, berasal dari sebab semula jadi, dan kadang-kadang ia adalah buatan, dan nampaknya kekacauan yang cuba ditimbulkan oleh kurator di Biennale-nya hanyalah buatan. Tetapi sama ada dia produktif atau tidak - hanya akan dapat difahami hanya dengan masa untuk difahami. Sekiranya seperti itu dalam sepuluh tahun Biennale ini akan disebut sebagai tonggak sejarah - maka idea itu, pasti, berjaya. Sekiranya tidak, maka ia gagal.
Sementara itu, kita hanya dapat dipandu oleh emosi. Paviliun Itali, sepenuhnya didedikasikan untuk seni bina eksperimen, memberikan kesan kekacauan yang membosankan. Terdapat banyak pameran (55), tepu dengan teks dan gambar kecil, yang kadang-kadang diselingi dengan model dan pemasangan - bersama-sama semua ini bergabung menjadi massa yang sukar untuk persepsi juga kerana teksnya sangat misteri di tempat - nampaknya, untuk demi mencapai kekaburan yang kadang-kadang. Untuk mencairkan kepelbagaian eksperimen remaja, dan juga untuk menunjukkan bagaimana tepatnya seseorang bereksperimen, di antaranya ditempatkan lorong-lorong "bintang" yang dihormati dengan tajuk "Eksperimen Masters". Di salah satunya terdapat lukisan oleh Zaha Hadid, yang sangat mirip dengan avant-garde tahun 20-an, tetapi hanya sedikit lebih hiasan dan kerana itu cantik - walaupun di sebelah lukisan ini, karpet dibuat mengikut motifnya entah bagaimana kelihatan terlalu sesuai di lantai. Di lain, ada coretan oleh Frank Gehry, yang menerima Singa Emas tahun ini untuk "sumbangan hidupnya". Doodles - diterjemahkan sebagai "coretan", yang dilukis secara sukarela, tetapi dalam kes ini juga yang dicetak, dilipat, dihancurkan dengan berbagai tahap ketidaksediaan - prototaip seni bina Gehry - yang, dengan demikian, lahir dari coretan. Tetapi yang paling ketara adalah pemasangan oleh Herzog & De Meuron, yang dibuat dengan kerjasama artis China Ai Weiwei: ruang yang luas di pintu masuk paviliun sepenuhnya dihuni oleh struktur tiang buluh panjang, yang dilekatkan pada buluh kerusi, sehingga tergantung di udara. Ternyata cukup lapang dan sangat misteri.
Pameran di Arsenal, di mana Betsky meletakkan pemasangan selebriti yang diundangnya, menimbulkan perasaan huru-hara, sama sekali tidak membosankan, tetapi kuat, sangat ekspresif, suram dan menakutkan. Mungkin ini kerana ruang Corderi itu sendiri besar dan gelap, lajur bulat tebal menyerupai katedral Romanesque yang dibuat dengan kasar, tetapi Corderi lebih panjang dari katedral, dan perubahan dewan pada suatu ketika kelihatan tidak berkesudahan. Dan pemasangannya besar, dipasang pada skala besar di ruang ini, meminjamnya skala dan ruang lingkup. "Bintang" tidak diundang sia-sia, masing-masing bekerja secara profesional, pemasangannya kukuh, dikenali dan terang - Corderi berubah menjadi rangkaian gambar - menjadi tarikan pameran. Ini bagus untuk pameran, tetapi tidak terlalu baik untuk niat kurator, kerana di antara manifesto Biennale yang ada sekarang ini, pemikiran yang memunculkan bahawa tarikan seni bina tidak begitu baik, dan seni bina harus memikirkan bagaimana membuat kita merasa seperti berada di dunia ini "seperti di rumah". Idea ini - tentang "berada di rumah" - diulang berkali-kali dalam teks Betsky dan nampaknya merupakan salah satu idea utama. Tetapi pemasangan bintang sama sekali tidak membangkitkan "perasaan di rumah", tetapi menimbulkan kegelisahan.
Masalah lain ialah pengiktirafan. Setelah berada di Arsenal, bintang-bintang itu tidak bereksperimen mencari gambar samar-samar tentang sesuatu yang baru atau berbeza, tetapi sebaliknya - masing-masing menunjukkan bahawa dia dapat. Gambar-gambar itu mungkin samar-samar di suatu tempat, tetapi maknanya nampaknya sama - semua ini adalah ringkasan konsep kreatif, hasilnya, bukan permulaan, masa lalu, bukan masa depan. Frank Gehry sangat dikenali: dia membina serpihan fasad, mirip dengan Bilbao, dari kayu dan tanah liat. Permukaan cekung dilapisi secara beransur-ansur dengan tanah liat, ia kering dan retak. Ini dilakukan dengan perlahan, menjelang akhir Biennale pada bulan November, keseluruhan "fasad" akan dilapisi dengan tanah liat: begini cara pemasangannya menampilkan ciri-ciri prestasi, yang dinamik, tetapi penampilannya masih dipusingkan - melihat prestasi ini, anda ingat Bilbao dan semuanya kelihatan besar dan tempat pameran yang menakjubkan yang direka untuk mempamerkan portfolio Gehry yang paling kelihatan. Hal yang sama berlaku dengan Zaha Hadid - dia memasang bentuk cecair berikutnya di Arsenal, yang ditulis dalam penjelasan bahawa dia adalah prototaip perabot. Tetapi Zaha Hadid telah lama merancang perabot seperti itu. Objek serupa dipasang oleh Zaha di dalam Villa Foscari untuk menghormati ulang tahun ke-500 Andrea Palladio; tetapi apa yang menarik - di dalam Palladio atau di Arsenal - perkara yang sangat serupa, jadi apa gunanya? Greg Lynn menambah perabot humor juga, tetapi dari "mainan kitar semula". Mainan itu ternyata patung-patung terang, yang, mesti saya katakan, mengambil ruang paling sedikit - bagi mereka juri menganugerahkan "Golden Lion".
Sebagai tambahan kepada perkara di atas, terdapat banyak gambar yang mengagumkan di Arsenal. Pemasangan sarang labah-labah berenda oleh Matthew Ritchie dan Aranda Lush "Evening Line" kelihatan cantik. Ini sepenuhnya terdiri daripada hiasan - sebahagiannya diukir dari logam, sebahagiannya terbuat dari bayang-bayang dan unjuran video, yang tertulis dalam corak logam di dinding. Apa maksudnya tidak jelas (apakah tujuannya?), Tetapi kelihatan menggoda dan relevan - kini arkitek menyukai perhiasan. Unstudio diletakkan di Corderi sebuah objek besar berukuran sebuah bilik kecil, melengkung seperti jalur Mobius - objek ini terkenal kerana ia boleh masuk ke dalam. Objek keluarga Fuchsas, sebaliknya, digariskan oleh garis kuning, yang disyorkan untuk tidak dilintasi (yang tidak ada yang memerhatikan): ini adalah dua van hijau raksasa dengan tingkap kecil di mana anda dapat melihat pemandangan setiap hari dalam stereo format pawagam. Penjual dan Scorfidio berkelakuan sangat mudah - pemasangan mereka membandingkan video dengan dua Venice - yang asli dan mainan Amerika dari Las Vegas. Tidak jelas bagaimana ini mengungkapkan tema Betsky, tetapi di Venice ia kelihatan hebat dan kerusi sentiasa dihuni. Barkow Leibinger membina "kebun nomad" dari paip logam potong laser - kerana keseragaman bahan dan kesederhanaan penyelesaiannya, pada pendapat saya, ini adalah salah satu pemasangan penting dari Arsenal. Tetapi Philip Rahm menarik perhatian pemasangannya oleh fakta bahawa pada hari-hari pertama pameran (saya tidak tahu bagaimana kemudian) terdapat dua orang berbogel yang berbaring di sana, dan di sebelah mereka, empat orang berpakaian hipes sedang bermain semacam muzik gitar: projek ini dikhaskan untuk pemanasan global, tetapi di sinilah berikut? Kelibat telanjang?
Jadi, bahagian pameran itu, yang dirancang untuk memenuhi permintaan kurator, terdiri daripada 55 pameran kecil di paviliun Itali dan 23 pemasangan besar di Arsenal. Bersama-sama mereka menambah usaha untuk membangunkan arkitek - dari amalan komersial hingga khayalan "kertas" - demi pembaharuan, gilirannya, secara umum, kelahiran sesuatu yang baru. Paviliun Itali mewakili, menurut kurator, masa lalu dan masa depan proses ini: pameran belia - harapan untuk masa depan, pameran retrospektif master - sejenis buku teks tentang cara bereksperimen. Semua ini dilengkapi dengan artikel Bezki mengenai sejarah eksperimen moden pasca perang - asal usul kuratornya menuju krisis politik 1968 dan krisis tenaga tahun 1973. Becki memberikan nama, membina cerita dan mengajak arkitek muda untuk meneruskannya. Eksposisi Arsenal, sebaliknya, membuat panggilan yang sama untuk eksperimen kepada tuan yang terhormat - secara teori, seluruh komuniti seni bina harusnya terlibat dalam proses membuat "coretan" - dari mana munculnya pemikiran baru, kelainan baru, seterusnya akan berlaku. Jadi apa yang berlaku? Eksposisi remaja ternyata cetek dan terlalu jenuh (walaupun, jika mahu, anda dapat melihat hal-hal menarik di dalamnya) - dan "bintang", bukannya dinamika dan kebaruan, menghasilkan teknik "bintang" sendiri. Dorongan untuk menyemprotkan kekacauan kreatif ke dalam seni bina nampaknya gagal. Mungkin kerana ia tiruan? Walaupun - seperti yang telah dikatakan - hanya setelah sepuluh tahun, akhirnya akan menjadi jelas apakah usaha ini telah menghasilkan sekurang-kurangnya beberapa buah dan apakah ia telah membawa kepada perubahan. Sementara itu, melihat paparan, nampaknya tidak mungkin.
Tetapi inilah perkara yang pelik. Tidak jelas sama ada Betsky menyedarkan para arkitek. Tetapi kekuatan semula jadi, seseorang mesti berfikir, terbangun. Sangat mudah untuk memperhatikan bahawa upacara pembukaan Biennale, yang kuratornya dalam manifestonya menyatakan bahawa bukan perkara terpenting di dunia kita untuk melindungi diri kita dari hujan, jatuh pada musim hujan yang jarang berlaku di Venice. Kerana hujan ini, bukaan harus dipindahkan dari Giardini ke Arsenal - dan sekumpulan wartawan basah dan beku berdiri di depan pintu masuk. Tetapi itu tetap tidak ada. Oleh itu, dengan alasan pentingnya masalah ekonomi dan masalah lain untuk pengembangan pemikiran konseptual, kurator Biennale semasa, nampaknya, bukan hanya hujan, tetapi juga krisis yang disekat. Krisisnya jelas. Kami sedang menunggu percubaan.
Ahli botani dan pengembara
Semasa mentafsirkan topiknya yang keliru untuk orang ramai dan peserta Biennale, kurator Aaron Betsky bercakap terutamanya secara tidak sengaja, iaitu dari sebaliknya. Bukan bangunan, kerana ia adalah kubur harapan manusia dan sumber semula jadi, bukan utopia atau penyelesaian abstrak untuk masalah sosial - tetapi gambar dan teka-teki untuk diimpikan. Dia meminta untuk melampaui bangunan dan seni bina sebagai disiplin - dan bereksperimen. Tetapi dia tidak mengatakan dengan tepat ke mana harus pergi, mengekalkan misteri misteri.
Semua orang memberi reaksi terhadap misteri ini dengan cara yang berbeza, dengan pawagam, reka bentuk dan perabot. Banyak pengkritik menganggap Biennale Senibina terlalu mirip dengan Biennale of Art Contemporary dan dengan itu kehilangan kekhususan profesionalnya. Setelah melangkaui kerangka kerja, anda bukan sahaja dapat memperoleh keuntungan, tetapi juga kehilangan - ini, secara umum, adalah pekerjaan yang menarik, tetapi juga berbahaya - untuk menyeberangi sempadan.
Walau bagaimanapun, kaedah yang paling jelas untuk menjawab topik tersebut adalah yang paling mudah: tinggalkan saja bangunan itu. Akan menjadi pelik jika ruang pameran dibiarkan kosong sama sekali, dan pameran dihancurkan di luar, tetapi Biennale masih belum mencapai tahap literalisme seperti itu. Namun, dari segi pelarian dari seni bina ke alam dan pembinaan di sana, di luar, dari pelbagai "struktur sementara", para arkitek dapat beralih kepada pengalaman kaya penduduk musim panas Soviet - mereka juga melarikan diri dari kemerosotan modernisme dan, setelah melarikan diri, mengatur menaiki kebun sayur.
Kebun sayur terbesar di Biennale dibina oleh Gustafsons. Sebahagian dari tumbuh-tumbuhan liar yang diliputi lianas dari Garden of the Virgins, yang terletak di pinggir Arsenal, di lokasi sebuah biara Benedictine yang hancur - diusahakan oleh projek Inggeris-Amerika "melalui Paradise" (menuju surga). Kubis, bawang dan dill (simbol rasa kenyang) diselingi dengan bunga, di tengah komposisi terdapat bukit melengkung seperti siput, ditutup dengan rumput yang rapi. Siput ramuan dimaksudkan untuk menjadi tempat untuk dilihat, dengan bantal tempat duduk diletakkan di atasnya, tetapi pada hari pembukaan hujan, hanya bola putih yang melayang di atas halaman berbukit. Selanjutnya, di kapel lama (atau gereja?), Lilin diletakkan di rak di sepanjang dinding, dan nama-nama Latin haiwan dan tumbuhan yang hilang ditulis di dinding (terdapat beberapa). Harus diakui bahawa projek lanskap ini adalah yang paling bercita-cita tinggi di Biennale. Demi kepentingannya, mereka malah menebang beberapa pokok lama, yang tidak boleh diterima di Venice.
Ngomong-ngomong, tema Paradise sesuai dengan kuratorial 'di luar sana' dan 'di luar' - tidak ada yang lebih dari dunia selain Syurga. Ia dinyatakan dengan caranya sendiri di paviliun Jerman: epal tumbuh di dahan yang tersangkut di dalam pasu, penitis dengan cairan hijau dilekatkan di dahan. Adakah buah-buahan itu sendiri tumbuh dengan potongan tipis dan bagaimana ini dapat dicapai tidak dijelaskan, tetapi eksposisi simbolik disertakan dengan hujah bahawa orang-orang, yang berusaha untuk membuat syurga di bumi untuk diri mereka sendiri, memusnahkan seluruh ekosistem demi firdaus teknologi ini. Epal di bawah penitis mungkin mewakili syurga buatan manusia.
Paviliun Jepun dikelilingi oleh bunga, terletak di dalam struktur sementara yang menyerupai garis besar menara yang terjalin dengan kehijauan. Ini adalah skema bangunan bertingkat yang dihuni oleh tumbuh-tumbuhan - mereka juga digambarkan di dalam paviliun di dinding dengan pensil. Selain lukisan, tidak ada yang lain di paviliun - berwarna putih sepenuhnya, seperti sejenis kepingan kertas yang terbalik ke bahagian dalam. Ramai orang menyukai paviliun laconic dan kontemplatif ini dengan cara sintetik.
Kebun sayur Amerika lebih kecil dan tidak begitu mendalam, tetapi sosial - ia dikhaskan, khususnya, untuk membesarkan anak-anak melalui berkebun (pendidikan seperti ini sekarang dipraktikkan di banyak biara di negara kita). Orang Amerika menyembunyikan dorika kekaisaran di belakang jala lut, mendirikan kebun sayur di depan tiang tiang, dan memenuhi paviliun dengan segala macam projek sosial. 'Ekotopedia' yang sangat serius dan beragam, ensiklopedia masalah persekitaran, digunakan di paviliun Denmark.
Tema alam sekitar juga popular di antara projek eksperimen di paviliun Itali. Ideanya, bagaimanapun, sudah biasa: kota-kota hijau, di mana terdapat hutan di bawahnya, dan teknologi dan peradaban "di tingkat kedua" dan pencakar langit hijau, yang mana satu sangat ketara - Julien de Smedta, sebuah projek yang ditujukan untuk orang Cina bandar Shenzhen, terletak di daratan bertentangan dengan Hong Kong. Ini adalah gedung pencakar langit raksasa, yang dihuni oleh penduduk dan kehijauan, yang menurut penulis harus menggantikan gunung berhutan yang telah hilang di kawasan ini, menjadi gunung buatan manusia yang besar. Tidak kira apa kata bijak dari Cincinnati mengenai faedah inspirasi yang tidak jelas, projek sebenar kelihatan sangat menguntungkan dengan latar belakang mereka.
Cara lain untuk melepaskan diri dari "bangunan" adalah dengan pergi ke pondok. Anehnya, dia tidak begitu popular, tetapi dia dekat dengan semangat kita. "Pondok" utama dalam bentuk yurt dibangun di tebing Arsenal oleh Totan Kuzembaev dan diletakkan di dalam sebuah kereta kecil. Intinya adalah untuk menggabungkan aksesori nomad dari dua budaya - kuno dan moden. Dari peradaban moden, di dalam yurt terdapat berbagai aksesori teknikal, telefon bimbit, komputer riba, dll., Yang digunakan bukan untuk tujuan yang dimaksudkan, tetapi sebagai sifat seorang dukun. Untuk bertahan di dunia moden - menulis Totan Kuzembaev dalam penjelasan kepada "Nomad", anda perlu menyesuaikan diri. Dan kemudian sesuatu yang baru akan timbul, atau globalisme akan menelan segalanya, yang akan menyedihkan - dia menyimpulkan.
Sebaliknya, antara syurga Arsenal dan Gustafson, arkitek China membina beberapa rumah yang berbeza - yang diperbuat daripada kotak, papan lapis, papan keras - rumah-rumahnya besar, tiga tingkat, tetapi di dalamnya tidak selesa dan sempit, seperti di kereta api. Pondok pergola yang dibina oleh Nikolai Polissky di teras paviliun Rusia juga sesuai dengan barisan yang sama - struktur yang indah, tetapi, sayangnya, tidak begitu ketara kerana fakta bahawa ia terletak di sisi lagun.
Terdapat juga cara meninggalkan yang lebih abstrak - contohnya, dari bentuk ke suara dan video. Berikut adalah sebuah paviliun Yunani yang indah dan benar-benar tidak arkitek, yang terdiri daripada alas interaktif dengan monitor dan fon kepala dengan bunyi bandar. Ia gelap dengan benang plastik bercahaya tergantung.
Dan akhirnya, anda dapat menjauhkan diri dari seni bina dengan mengosongkan paviliun - ini dilakukan di astaka di Belgium, di mana confetti berwarna-warni tersebar di lantai ("After the Party"), atau di Czechoslovakia, di mana terdapat peti sejuk lucu dengan makanan set untuk watak yang berbeza.
Sebilangan besar peserta dengan tekun menafsirkan topik itu, tetapi ada juga keajaiban - mereka yang, bertentangan dengan cogan kata, masih menunjukkan bangunan. Lagipun, astaka nasional tidak perlu mengikut tema. Hebatnya paviliun UK, di mana sebuah pameran yang mahal dan dibuat dengan teliti dikhaskan untuk lima arkitek yang membina perumahan di bandar-bandar Britain. Ternyata sekarang di Britain - tanah air kota taman dan jenis kediaman baru pada awal abad ke-20 - semakin kurang perumahan yang sedang dibina. Paviliun Perancis dipenuhi dengan banyak model: masing-masing diletakkan di dalam kotak plastik lutsinar dan dilekatkan di dinding dengan konsol bergerak - anda boleh memutar model sambil melihatnya. Seni bina Sepanyol juga ditunjukkan dengan terperinci dan tradisional - dengan gambar dan model. Buat pertama kalinya dalam beberapa tahun, barisan ini merangkumi paviliun Rusia, yang mana - sedikit kemudian.
Orang Rusia di Venice
Kebetulan bahawa di antara orang-orang yang dapat saya ajak bicara di Venice, wartawan menilai konsep Aaron Betsky kebanyakannya positif, sementara arkitek kebanyakannya negatif. Sudah tentu ada pengecualian, tetapi secara keseluruhannya jelas - arkitek datang ke Venice untuk melihat seni bina, dan ketiadaannya yang hampir lengkap bukanlah kejutan yang paling menyenangkan bagi mereka.
Di paviliun Rusia, semuanya berlaku sebaliknya: bukan penyediaan samar-samar yang ditunjukkan, tetapi bangunan, banyak bangunan. Sebelumnya, ketika proyek dan realisasi dipamerkan di Biennale, pemasangan diatur di paviliun Rusia, dan sekarang, ketika akhirnya diputuskan untuk menunjukkan seni bina yang sebenarnya, Aaron Betsky merumuskan "tugas" yang bertentangan. Walau bagaimanapun, temanya tidak wajib untuk paviliun nasional … Sekiranya kita membuang idea untuk pertama kalinya untuk menunjukkan potongan seni bina Rusia yang sebenar dan menyesuaikan diri dengan cogan kata? Sukar untuk diberitahu. Tetapi, secara tegas, jelas bahawa tema yang ditetapkan oleh Betsky untuk Biennale sesuai dengan situasi kebosanan dan kepuasan tertentu dengan "bintang" yang telah berkembang dalam seni bina dunia. Tema, yang ditetapkan oleh kurator paviliun Rusia, Grigory Revzin, sesuai dengan keadaan ledakan pembinaan di Rusia. Dan pameran dengan tepat menggambarkan gambaran seni bina Rusia hari ini. Termasuk variasi dan ciri-ciri kerumunannya, pertumbuhan pelbagai bangunan yang aktif, penting dan tidak terkawal.
Pameran ini terdiri daripada dua bahagian. Tingkat atas dihuni oleh projek dan bangunan moden - ia mempunyai tiga dewan, satu utama dan dua tambahan. Pereka Vlad Savinkin dan Vladimir Kuzmin memutuskannya dalam tiga warna yang berbeza: dewan pertama, yang memaparkan katalog elektronik, berwarna putih, ruang ketiga - ia mengandungi pemaju, berwarna hitam, dan ruang utama dan tengah berwarna merah. Lantainya dilapisi sel catur, yang merah adalah bangunan arkitek Rusia, yang putih adalah model yang dibuat mengikut reka bentuk bangunan orang asing di Rusia. Menurut idea kurator, antara model Rusia dan orang asing, permainan catur bersyarat berlaku - menonjolkan tema persaingan antara arkitek "tempatan" dan "asing".
Bahagian kedua pameran adalah struktur kayu Nikolai Polissky, bukan seni bina, tetapi, seperti yang ditentukan oleh kurator paviliun Rusia Grigory Revzin, ungkapan impian pemandangan Rusia. Karya-karya Polissky meresap ke paviliun Rusia - di ruang depan di tingkat pertama mereka membentuk hutan yang ditebang oleh cahaya. Di tempat yang sama, di balai sebelah, karya utama Polissky ditunjukkan dan - video - proses penciptaannya oleh pasukan pasukan penduduk kampung Nikolo-Lenivets yang terkoordinasi dengan baik. Berdasarkan tingkat pertama, struktur Polissky terus berkembang di mana-mana - dalam bentuk lengkungan tidak stabil di hadapan pintu masuk, pergola di teras (disebut 'luar bangunan') dan bahkan kaki di meja di dewan pemaju adalah diperbuat daripada batang bengkok yang sama.
Harus diakui bahawa reka bentuk Nikolai Polissky sangat berbeza dengan projek landskap lain di Biennale, dan bukan hanya pada kenyataan bahawa mereka sama sekali tidak mempunyai tema "surga" taman-taman, dan bahannya liar, semula jadi, hampir tidak dibersihkan. Mereka lebih dekat dengan alam daripada projek ekologi, yang, sebenarnya, termasuk dalam dunia teknologi. "Hutan" Polissky agak liar dan menakutkan, walaupun di dalam paviliun tidak memiliki skala - tidak ada tempat untuk berpusing. Tetapi anda harus memahami bahawa ini adalah hutan "eksport", goblin dalam lawatan. Dalam Nikolo-Lenivets, projek landskap Polissky lebih besar dan lebih penting.
Tahun ini Rusia mengambil bahagian di semua bahagian utama Biennale. Totan Kuzembaev, yang baru-baru ini memenangi tempat kedua dalam pertandingan untuk jambatan melintasi Terusan Besar Venesia, diundang oleh Aaron Betsky untuk turut serta dalam pameran kuratorial Arsenal dan membina yurt yang telah disebutkan di jalan di hadapannya. Boris Bernasconi, yang baru-baru ini berkongsi tempat pertama dalam pertandingan antarabangsa untuk Perm Art Museum dengan Valerio Olgiati, diundang untuk mengurus pameran di paviliun Itali - dan menggunakan undangan ini untuk melawan projek Norman Foster's Orange. Saya mesti mengatakan bahawa Aaron Betsky pada sidang akhbarnya secara berasingan menyebutkan projek Bernasconi dan memujinya kerana arkitek muda itu berani memprotes Foster sendiri.
Setelah tiba di Venice, pameran Maternity Hospital (dikuratori oleh Yuri Avvakumov dan Yuri Grigoryan) berubah menjadi projek yang sangat indah. Pameran ini dipamerkan buat pertama kalinya di Moscow di galeri VKHUTEMAS, kemudian di St Petersburg. Saya mesti mengatakan bahawa di Biennale pameran, yang telah dibuat setahun sebelumnya, ternyata sangat berguna: ia terdiri daripada embrio seni bina arca, tafsiran tema kelahiran, yang dihasilkan oleh arkitek, di antaranya terdapat banyak orang Rusia, tetapi banyak orang asing. Saya bahkan berani mencadangkan bahawa di sini idea utama Betsky dinyatakan, jika tidak lebih tepat, maka lebih ringkas daripada di Arsenal. Bertempat di Gereja Venesia San Stae, pameran ini telah berubah dengan ketara: semua pameran itu diletakkan di dalam sel di dalam dinding rumah kardus dengan dinding berlubang. Bangunan ini diibaratkan sebagai peninggalan gereja dan pada masa yang sama pemandangan kelahiran. Evolusi pameran nampaknya sangat logik. Lebih-lebih lagi, nampaknya Venice sendiri berperanan di sini - sebuah bandar di mana hampir setiap tembok membawa kotak ikon dengan ikon patung. Dari apa yang nampaknya kota ini dikuduskan secara keseluruhan - kualiti yang telah hilang oleh bandar-bandar Eropah yang lain - dan bahkan "Hospital Bersalin" yang kejam di sini berubah menjadi pemandangan kelahiran Krismas. Venice adalah sebuah bandar yang indah.
