Pada tahun 1924, arkitek dan ahli teori Moses Ginzburg, yang berusia 32 tahun pada masa itu, menerbitkan buku "Style and Epoch", di mana ia meramalkan, sebagian memprogram pengembangan seni bina abad ke-20. Setahun kemudian, arkitek menjadi salah satu pengasas kumpulan OSA - Persatuan Arkitek Kontemporari, yang penting bagi konstruktivis Soviet Rusia. Buku ini menjadi salah satu yang paling ikonik untuk arkitek dan sejarawan avant-garde, tetapi masih jarang terdapat dalam bibliografi. Kini jilidnya boleh didapati dengan mudah di perpustakaan anda: Ginzburg Architects telah mengeluarkan edisi cetak semula Gaya dan Era. Pada masa yang sama, cetak semula dalam bahasa Inggeris dikeluarkan di UK, yang diterbitkan oleh Ginzburg Design bekerjasama dengan Fontanka Publications dan Thames & Hudson.
Buku tersebut boleh dibeli di sini, dipesan melalui e-mel [email protected] atau melalui telefon +74995190090.
Harga - 950 rubel.
Di bawah ini kami menerbitkan petikan dari buku yang telah menjadi klasik bibliografi dalam teori avant-garde.
Anda boleh melihat bahagian yang sama di sini:
-
mengezum 1/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya Era. M., 1924 / dicetak semula 2019. Fragmen buku Diberkati oleh arkitek Ginzburg
-
mengezum 2/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya Era. M., 1924 / dicetak semula 2019. Fragmen buku Diberkati oleh arkitek Ginzburg
-
mengezum 3/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya Era. M., 1924 / dicetak semula 2019. Fragmen buku Diberkati oleh arkitek Ginzburg
-
mengezum 4/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya Era. M., 1924 / dicetak semula 2019. Fragmen buku Diberkati oleh arkitek Ginzburg
-
mengezum 5/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya Era. M., 1924 / dicetak semula 2019. Fragmen buku Diberkati oleh arkitek Ginzburg
-
mengezum 6/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya Era. M., 1924 / dicetak semula 2019. Fragmen buku Diberkati oleh arkitek Ginzburg
-
mengezum 7/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya Era. M., 1924 / dicetak semula 2019. Fragmen buku Diberkati oleh arkitek Ginzburg
-
mengezum 8/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya Era. M., 1924 / dicetak semula 2019. Fragmen buku Diberkati oleh arkitek Ginzburg
-
mengezum 9/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya Era. M., 1924 / dicetak semula 2019. Fragmen buku Diberkati oleh arkitek Ginzburg
-
mengezum 10/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya Era. M., 1924 / dicetak semula 2019. Fragmen buku Diberkati oleh arkitek Ginzburg
-
mengezum 11/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya Era. M., 1924 / dicetak semula 2019. Fragmen buku Diberkati oleh arkitek Ginzburg
-
mengezum 12/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya Era. M., 1924 / dicetak semula 2019. Fragmen buku Diberkati oleh arkitek Ginzburg
-
mengezum 13/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya Era. M., 1924 / dicetak semula 2019. Fragmen buku Diberkati oleh arkitek Ginzburg
-
mengezum 14/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya Era. M., 1924 / dicetak semula 2019. Fragmen buku Diberkati oleh arkitek Ginzburg
-
mengezum 15/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya Era. M., 1924 / dicetak semula 2019. Fragmen buku Diberkati oleh arkitek Ginzburg
KATA PENGANTAR *
Gaya seni bina dan kemodenan? Kemodenan membersihkan ribut, di mana struktur yang didirikan hampir berpuluh-puluh. Gaya apa yang boleh kita bincangkan? Sudah tentu, ini berlaku bagi mereka yang asing dengan keraguan dan khayalan mereka yang mencari jalan baru, jalan pencarian baru; jadi bagi mereka yang sabar menunggu keputusan akhir dengan skor di tangan mereka dan keputusan di bibir mereka. Tetapi waktunya belum matang untuk mereka, giliran mereka lebih awal. Halaman-halaman buku ini ditujukan bukan untuk apa yang telah terjadi, tetapi hanya untuk refleksi yang telah terjadi, mengenai garis yang berlaku antara masa lalu yang sudah mati dan kemodenan yang semakin meningkat, mengenai gaya baru yang dilahirkan di pergolakan, yang ditentukan oleh kehidupan baru, gaya yang penampilannya, masih tidak jelas, namun tetap diinginkan, tumbuh dan bertambah kuat di kalangan mereka yang memandang ke hadapan dengan yakin.
* Tesis utama karya ini disampaikan oleh saya pada 18 Mei 1923 dalam laporan kepada Moscow Architectural Society; Pada 8 Februari 1924, kandungan buku yang sudah siap dibaca oleh saya di Akademi Sains Seni Rusia.
I. GAYA - ELEMEN GAYA ARKITEKTUR - KANDUNGAN DAN KEBEBASAN DALAM PERUBAHAN GAYA
"Pergerakan bermula pada banyak titik sekaligus. Yang lama dilahirkan semula, membawa segala yang sesuai dengannya, dan, akhirnya, tidak ada yang menentang arus: gaya baru menjadi kenyataan. Mengapa semua ini mesti berlaku?"
G. Velflin "Renaissance dan Baroque".
Selama kira-kira dua abad, kreativiti seni bina Eropah wujud secara parasit dengan mengorbankan masa lalu. Walaupun seni yang lain, satu atau lain cara, bergerak maju, secara sistematik membuat "klasik" mereka dari para inovator revolusi baru-baru ini, seni bina dengan kedegilan yang sangat luar biasa tidak mahu mengalihkan pandangan dari contoh dunia kuno atau era Zaman Renaissance Itali. Akademi Seni, nampaknya, hanya terlibat dalam fakta bahawa mereka membasmi keinginan untuk yang baru dan meratakan kemampuan kreatif anak muda, tanpa mengajar, bagaimanapun, untuk melihat dalam produksi
11
pengetahuan tentang masa lalu, sistem undang-undang yang selalu dapat dielakkan dari struktur kehidupan era dan hanya dengan latar belakang ini yang menerima makna sebenarnya. Oleh itu, pendidikan "akademik" seperti itu mencapai dua tujuan: murid itu terlepas dari masa kini dan pada masa yang sama tetap asing dengan semangat sebenar karya-karya agung masa lalu. Ini juga menjelaskan hakikat bahawa seniman yang mencari dalam seni mereka ungkapan pemahaman bentuk moden yang murni, sering dengan tidak sengaja mengabaikan semua pencapaian estetik era yang telah berlalu. Walau bagaimanapun, pemeriksaan mendalam terhadap seni masa lalu dan suasana kreatif di mana ia diciptakan membawa kesimpulan yang berbeza. Ini adalah pengalaman, yang dipadatkan oleh usaha kreatif berabad-abad, yang dengan jelas menunjukkan kepada seniman moden jalannya: - dan pencarian yang berani, dan berani mencari sesuatu yang baru, dan kegembiraan penemuan kreatif, - semua jalan berduri yang selalu berakhir kemenangan, sebaik sahaja gerakan itu ikhlas, keinginan itu cerah dan bersih ke darat dalam gelombang yang kuat dan benar-benar moden.
Ini adalah seni pada masa terbaik dalam kewujudan manusia, dan, semestinya sekarang. Sekiranya kita ingat dalam lingkungan konsonan apa yang diciptakan Parthenon, bagaimana syarikat cacing wol dan sutera saling bersaing di era Renaissance Itali - dalam pencapaian terbaik dari segi estetika, atau bagaimana reaksi peniaga dan komoditi sayur-sayuran perincian baru katedral sedang didirikan, maka kita akan dengan jelas memahami, bahawa intinya adalah bahawa arkitek katedral dan wanita penjual sayur menghirup udara yang sama, adalah sezaman. Benar, semua orang tahu contoh sejarah tentang bagaimana pelihat sebenarnya dari bentuk baru tetap disalahpahami oleh sezamannya, tetapi ini hanya menunjukkan bahawa para seniman ini secara intuitif menjangkakan, menjelang kemodenan, yang, setelah beberapa, lebih kurang penting, jangka masa yang menarik dengan mereka.
12
Sekiranya irama yang benar-benar moden terdengar dalam bentuk moden, monoton dengan irama kerja dan kegembiraan hari ini, tentu saja, ia akhirnya harus didengar oleh mereka yang kehidupan dan kerjanya mencipta irama ini. Boleh dikatakan bahawa kraf artis dan setiap kraf yang lain kemudiannya akan maju, menuju ke satu tujuan, dan pasti akan tiba suatu saat ketika semua garis ini akan bersilang, iaitu, apabila kita menemui gaya besar kita sendiri, di mana kreativiti penciptaan dan perenungan akan bergabung, apabila arkitek akan membuat karya dengan gaya yang sama seperti penjahit akan menjahit pakaian; apabila lagu nyanyian dengan mudah akan menyatukan makhluk asing dan berbeza dengan iramanya; apabila drama heroik dan buffoonery jalanan akan dipeluk dengan semua kepelbagaian bentuknya dengan kesamaan satu dan satu bahasa yang sama. Ini adalah tanda-tanda gaya yang asli dan sihat di mana analisis yang teliti akan menunjukkan sebab-akibat dan pergantungan semua fenomena ini pada faktor utama era tersebut. Oleh itu, kita mendekati konsep gaya, yang sering digunakan dalam pelbagai deria, dan yang akan kita cuba untuk menguraikannya. Sesungguhnya, pada pandangan pertama, perkataan ini penuh dengan kesamaran. Kami mengatakan gaya untuk produksi teater baru, dan kami mengatakan gaya untuk topi wanita. Kami merangkumi kata "gaya", sering kali, terutama dalam corak seni yang terbaik (contohnya, kita mengatakan "gaya empat puluhan" atau "gaya Michele Sanmicheli") dan kadang-kadang mengaitkannya dengan makna keseluruhan era, sekumpulan berabad-abad (seperti gaya Mesir, gaya Renaissance). Dalam semua kes ini, kita bermaksud sejenis kesatuan biasa yang diperhatikan dalam fenomena yang sedang dipertimbangkan. Beberapa ciri gaya seni akan mempengaruhi jika kita membandingkan evolusinya dengan evolusi bidang aktiviti manusia yang lain, misalnya sains. Sesungguhnya, genesis pemikiran saintifik mengandaikan rantai yang tidak dapat dipecahkan
13
peruntukan dari mana setiap yang baru, mengalir keluar dari yang lama, sehingga melebihi yang lama. Di sini terdapat pertumbuhan tertentu, peningkatan nilai pemikiran objektif. Oleh itu, kimia telah berkembang dan menjadikan alkimia tidak perlu, jadi kaedah penyelidikan terbaru lebih tepat dan lebih saintifik daripada yang lama; yang memiliki sains fizikal moden telah maju lebih jauh daripada Newton atau Galileo *. Dengan kata lain, di sini kita berurusan dengan satu organisma yang terus berkembang. Situasinya agak berbeza dengan karya seni, yang masing-masing, pertama-tama, menguasai dirinya sendiri dan persekitaran yang menimbulkannya, dan karya yang benar-benar mencapai tujuannya tidak dapat dilupakan **. Oleh itu, kata kemajuan sangat sukar untuk diterapkan pada seni dan hanya dapat dikaitkan dengan bidang kemungkinan teknikalnya sahaja. Dalam seni ada sesuatu yang berbeza, baru, bentuk dan kombinasi daripadanya, yang kadang-kadang tidak dapat diramalkan, dan sama seperti karya seni adalah sesuatu yang berharga, jadi ia tetap tiada tandingan dalam nilai khasnya. Betul, dapatkah pelukis Renaissance telah melampaui Yunani, atau bahawa kuil di Karnak lebih buruk daripada Pantheon? Sudah tentu tidak. Kita hanya dapat mengatakan bahawa seperti kuil di Karnak adalah hasil dari lingkungan tertentu yang melahirkannya dan dapat dipahami hanya dengan latar belakang lingkungan ini, budaya material dan spiritualnya, sehingga kesempurnaan Pantheon adalah akibatnya dengan alasan yang serupa, hampir bebas dari kelebihan candi Karnak. * * *
Kami tahu dengan baik bahawa ciri-ciri pesawat fresco Mesir, yang membuka narasi dalam deretan pita, * "Estetika umum" oleh Jonas KON. Terjemahan oleh Samsonov. Rumah Penerbitan Negeri, 1921
** Perbezaan yang digariskan antara sains dan seni juga disebut oleh Schiller. Lihat suratnya kepada Fichte dari 3-4 Ogos 1875 (Surat, IV, 222).
14
terletak satu di atas yang lain bukanlah tanda ketidaksempurnaan seni Mesir, tetapi hanya gambaran mengenai ciri pemahaman Mesir tentang bentuk, yang kaedahnya bukan hanya yang terbaik, tetapi juga satu-satunya yang membawa kepuasan sepenuhnya. Sekiranya gambar moden ditunjukkan kepada orang Mesir, pasti akan mendapat kritikan yang sangat keras. Orang Mesir akan menganggapnya tidak ekspresi dan tidak menyenangkan bagi mata: dia harus mengatakan bahawa gambar itu buruk. Sebaliknya, untuk menghargai kelebihan estetika dari perspektif Mesir, setelah kita mendapat pemahaman yang sama sekali berbeza dari para seniman Renaissance Itali, kita tidak hanya harus merangkul semua seni Mesir secara keseluruhan, tetapi juga melakukan yang terkenal kerja penjelmaan semula, mesti berusaha meresap ke dalam sistem persepsi dunia Mesir. Apa hubungan antara lukisan dinding Mesir dan Renaissance untuk pelajar seni? Secara semula jadi, makna yang biasa difahami dari kata "kemajuan" tidak berlaku di sini, kerana, tentu saja, kita tidak dapat secara objektif menyatakan bahawa lukisan dinding Mesir "lebih buruk" daripada Renaissance, bahawa sistem perspektif Renaissance merosakkan dan merampas sistem lukisan dinding Mesir pesona. Sebaliknya, kita tahu bahawa selari dengan Renaissance ada juga sistem perspektif lain, misalnya, sistem Jepun, dengan cara tersendiri, bahawa kita masih dapat menikmati lukisan mural Mesir hari ini, dan akhirnya, seniman kontemporari kadang-kadang sengaja melanggar dalam sistem karya mereka dari perspektif Itali. Pada masa yang sama, seseorang yang menggunakan pencapaian elektrik tidak akan dipaksa untuk beralih kembali ke daya tarikan wap, yang dalam satu kes atau yang lain harus diakui sebagai objektif melebihi dan, oleh itu, tidak memberi inspirasi kepada kita ούτε kekaguman atau keinginan untuk menirunya. Cukup jelas bahawa kita menghadapi pelbagai fenomena di sini.
Walau bagaimanapun, perbezaan antara dua jenis aktiviti manusia: artistik dan teknikal - pada masa yang sama
15
tidak melepaskan kita peluang untuk menegaskan bahawa seni Renaissance Itali memberikan sumbangannya kepada sistem kreativiti dunia, memperkaya dengan sistem perspektif baru, yang sebelumnya tidak diketahui.
Oleh itu, di sini kita masih membincangkan beberapa jenis pertumbuhan, penambahan, pengayaan seni, yang cukup nyata dan dikenali secara objektif, tetapi tidak memusnahkan sistem kreativiti yang ada sebelumnya. Oleh itu, mungkin dalam arti tertentu untuk membicarakan evolusi seni, mengenai kemajuan seni, selain aspek teknikalnya.
Hanya kemajuan atau evolusi ini yang akan terdiri dari kemampuan untuk menciptakan nilai-nilai baru, sistem kreatif baru, sehingga memperkaya umat manusia secara keseluruhan.
Namun, pengayaan ini, kemunculan sesuatu yang baru dalam seni tidak dapat disebabkan oleh kebetulan, penemuan bentuk-bentuk baru secara tidak sengaja, sistem kreatif baru.
Kita telah mengatakan bahawa lukisan dinding Mesir, seperti lukisan Itali pada abad ke-15, dapat difahami dan, oleh itu, mendapat penilaian objektif hanya setelah semua seni kontemporari secara keseluruhan dapat difahami. Selalunya, ini tidak mencukupi. Anda perlu membiasakan diri dengan segala jenis kegiatan manusia, gambaran moden yang diberikan, dengan struktur sosial dan ekonomi era, ciri iklim dan kebangsaannya, untuk memahami sepenuhnya karya ini. Seseorang itu seperti dan tidak berbeza, bukan kerana "keacakan" penampilannya, tetapi sebagai akibat pengaruh yang paling kompleks yang dialami olehnya, persekitaran sosial, persekitarannya, kesan keadaan semula jadi dan ekonomi. Hanya semua ini yang menimbulkan struktur kerohanian ini atau seseorang, yang menghasilkan dalam dirinya sikap tertentu, sistem pemikiran artistik tertentu, mengarahkan genius manusia ke satu arah atau yang lain.
16
Tidak kira betapa hebatnya genius kolektif atau individu pencipta, tidak kira seberapa pelik dan berliku proses kreatif, ada hubungan sebab-akibat antara kehidupan dan faktor yang sebenarnya dan sistem pemikiran seni manusia, dan, pada gilirannya, yang terakhir dan kreativiti formal artis, dan kehadiran kebergantungan inilah yang menerangkan sifat evolusi seni, yang kita bicarakan, dan keperluan untuk reinkarnasi, yang menentukan penilaian sejarah objektif karya seni. Walau bagaimanapun, pergantungan ini tidak boleh difahami terlalu asas. Sebab yang sama kadang-kadang boleh menghasilkan hasil yang berbeza; musibah kadang-kadang merosakkan kekuatan kita, dan kadang-kadang meningkatkannya dalam jumlah yang tidak terhingga, bergantung pada sifat individu watak seseorang. Dengan cara yang sama, bergantung pada ciri-ciri genius individu atau orang, dalam kes lain kita melihat akibat langsung, pada yang lain - hasil sebaliknya kerana kontras. Namun, dalam kedua-dua kes, kehadiran ketergantungan kausal ini tidak dapat ditolak, hanya dengan latar belakang yang mana penilaian terhadap karya seni dapat diberikan, bukan berdasarkan penilaian selera individu "suka atau tidak," tetapi sebagai fenomena sejarah objektif. Perbandingan formal hanya dapat dilakukan antara karya pada era yang sama, dengan gaya yang sama. Hanya dalam had ini, kelebihan formal karya seni dapat ditentukan. Yang terbaik, paling ekspresif sesuai dengan sistem pemikiran artistik yang melahirkan mereka, kemudian biasanya mencari bahasa formal yang terbaik. Perbandingan lukisan dinding lukisan dan Itali Mesir tidak dapat dibuat secara kualitatif. Ini hanya akan memberikan satu hasil: ia akan menunjukkan dua sistem penciptaan artistik yang berbeza, masing-masing mempunyai sumbernya dalam lingkungan yang berbeza.
17
Itulah sebabnya mustahil bagi seorang seniman kontemporari untuk membuat lukisan dinding Mesir, sebab itulah eklektikisme secara genetik steril dalam kebanyakan kes, tidak kira betapa hebatnya wakilnya. Dia tidak menciptakan "baru", tidak memperkaya seni, dan, oleh karena itu, di jalan evolusi seni, ia tidak memberikan nilai tambah, tetapi tolak, bukan kenaikan, tetapi gabungan kompromi dari sisi yang sering tidak sesuai. * * * Mengingat produk yang paling pelbagai dari aktiviti manusia pada setiap era, khususnya, jenis kreativiti seni apa pun, dengan semua kepelbagaian yang disebabkan oleh sebab organik dan individu, sesuatu yang umum akan tercermin dalam semuanya, satu ciri yang, dalam kerakyatannya, membangkitkan konsep gaya. Keadaan sosial, budaya, kaedah dan cara pengeluaran yang sama, iklim, sikap dan jiwa yang sama - semua ini akan meninggalkan kesan umum pada bentuk pembentukan yang paling pelbagai. Oleh itu, tidak menghairankan bahawa ahli arkeologi yang telah menemui jag, patung atau sehelai pakaian ribuan tahun kemudian, berdasarkan ciri-ciri gaya umum ini, akan menentukan kepunyaan benda-benda ini ke era tertentu. Wolfflin, dalam kajiannya tentang Renaissance and the Baroque, menunjukkan jumlah kehidupan manusia di mana anda dapat menelusuri ciri-ciri gaya: cara berdiri dan berjalan, katanya, menyarungkan jubah dalam satu atau lain cara, memakai pakaian yang sempit atau kasut lebar, setiap perkara kecil - semua ini dapat memberi tanda gaya. Oleh itu, kata "gaya" membicarakan beberapa fenomena semula jadi yang membebankan pada semua manifestasi aktiviti manusia ciri-ciri tertentu yang mempengaruhi besar dan kecil, tidak kira sama ada orang-orang sezaman dengan jelas berusaha untuk ini atau bahkan tidak menyedarinya sama sekali. Walaupun begitu, undang-undang yang menghilangkan "kebetulan" dalam penampilan ini atau kerja tangan manusia menerima ungkapan khusus mereka untuk setiap jenis aktiviti ini.
18
kecergasan. Oleh itu, karya muzik disusun dalam satu cara, karya muzik yang lain. Walau bagaimanapun, dalam undang-undang yang sangat berbeza ini, yang disebabkan oleh perbezaan kaedah formal dan bahasa setiap seni, beberapa premis bersatu yang umum dapat diperhatikan, sesuatu yang menyamaratakan dan menghubungkan, dengan kata lain, kesatuan gaya, dalam arti luas perkataan itu.
Oleh itu, definisi gaya fenomena artistik dapat dianggap menyeluruh apabila ia terdiri bukan hanya dalam mencari undang-undang organisasi fenomena ini, tetapi dalam mewujudkan hubungan tertentu antara undang-undang ini dan zaman sejarah tertentu dan mengujinya pada jenis lain kreativiti dan aktiviti manusia dalam kehidupan kontemporari … Sudah tentu, tidak sukar untuk menguji pergantungan ini pada salah satu gaya sejarah. Hubungan yang tidak tergoyahkan antara monumen-monumen di Acropolis, patung-patung Phidias atau Polycletus, tragedi Aeschylus dan Euripides, ekonomi dan budaya Yunani, tatanan politik dan sosialnya, pakaian dan perkakasnya, langit dan pelepasan tanah, sama tidak boleh dilanggar dalam fikiran kita seperti fenomena serupa dengan gaya lain …
Kaedah menganalisis fenomena artistik, kerana objektiviti perbandingannya, memberikan penyelidik senjata yang ampuh dalam isu yang paling kontroversial.
Oleh itu, beralih dari sudut pandang seperti itu kepada peristiwa kehidupan seni kita selama beberapa dekad yang lalu, seseorang dapat mengakui tanpa banyak kesukaran bahawa trend seperti "Moden", "Dekadensi", sama seperti semua "neo-klasikisme" dan "kita" neo - renaissances”, tidak tahan dengan ujian kemodenan. Dilahirkan di kepala beberapa arkitek yang disempurnakan, berbudaya dan maju dan sering memberikan, berkat bakat mereka yang hebat, sampel yang sudah siap sepenuhnya, kerak estetik luaran ini, seperti semua jenis percutian eklektik lain, adalah penemuan terbiar terasa sebentar.lingkaran sempit
19
penikmat dan tidak menggambarkan apa-apa kecuali kemerosotan dan mati pucuk dunia yang hampir mati.* * * Oleh itu, kami menetapkan swasembada gaya tertentu, keaslian undang-undang yang mengaturnya, dan pengasingan relatif dari manifestasi formal dari karya gaya lain. Kami membuang penilaian yang sepenuhnya individualistik terhadap karya seni dan menganggap ideal yang indah, yang kekal berubah dan sementara ini, sebagai sesuatu yang sempurna memenuhi keperluan dan konsep tempat dan era tertentu.
Persoalannya secara semula jadi timbul: apakah kaitan antara manifestasi individu seni yang berlainan era, dan apakah Spengler * dan Danilevsky ** tidak betul dalam teori mereka, ditutup dan terpisah antara satu sama lain oleh jurang budaya?
Setelah menetapkan sifat tertutup dari gaya apa pun, kita tentu saja jauh dari berpikir untuk meninggalkan prinsip ketergantungan dan pengaruh dalam perubahan dan pengembangan gaya ini. Sebaliknya, pada hakikatnya, batasan yang tepat antara satu gaya dengan gaya yang lain terhapus. Tidak ada cara untuk menentukan saat-saat di mana satu gaya berakhir dan gaya yang lain bermula; gaya yang tidak menentu adalah mengalami usia muda, kematangan dan usia tua, tetapi usia tua belum sepenuhnya hidup, layu tidak berakhir, kerana gaya baru lahir, untuk mengikuti jalan yang serupa. Akibatnya, pada kenyataannya tidak hanya ada hubungan antara gaya yang berdekatan, tetapi bahkan sulit untuk menetapkan batas yang tepat di antara mereka, seperti dalam evolusi semua bentuk kehidupan tanpa pengecualian. Dan jika kita bercakap tentang kepentingan gaya yang mandiri, tentu saja, kita bermaksud pemahaman sintetik, intipati intinya, yang tercermin terutamanya pada saat terbaik berbunga, pada karya terbaik ini
_
* Oswald Spengler, "The Decline of Europe", jilid I, terjemahan Rusia, 1923
** I. Ya. Danilevsky, "Rusia dan Eropah", edisi ke-3. 1888 g.
20
liang pori. Oleh itu, mengenai undang-undang gaya Yunani, kita bermaksud abad ke-5 SM. X., abad Phidias, Ictinus dan Callicrates dan masa terdekat dengan mereka, dan bukan seni Hellenistik yang pudar, di mana sudah ada banyak ciri yang menjangkakan munculnya gaya Rom. Tetapi satu atau lain cara, roda dua gaya bersebelahan saling berkait, dan keadaan lekatan ini tidak menarik untuk dikesan.
Dalam kes ini, kami akan mengehadkan diri untuk mempertimbangkan isu dalam bidang seni bina yang paling menarik minat kami.
Namun, ini memerlukan, pertama sekali, pemahaman tentang konsep-konsep yang termasuk dalam definisi formal gaya seni bina. Kami sudah cukup jelas mengetahui apa yang mencirikan gaya lukisan: kita bercakap mengenai lukisan, warna, komposisi, dan, tentu saja, semua sifat ini dianalisis oleh penyelidik. Juga mudah untuk memastikan bahawa yang pertama: lukisan dan warna, adalah bahan, yang organiknya dalam bidang membentuk seni komposisi lukisan. Dengan cara yang sama, dalam seni bina, perlu dicatat sejumlah konsep, tanpa penjelasan mengenai analisis formal karya-karyanya yang tidak dapat difahami.
Keperluan untuk mewujudkan perlindungan dari hujan dan sejuk mendorong orang untuk membina kediaman. Dan ini hingga kini telah menentukan sifat seni bina, yang berada di ambang kreativiti berguna seperti seni dan seni "tidak berminat". Ciri ini dicerminkan terutamanya dalam keperluan untuk mengasingkan, membatasi beberapa bahan, bentuk material dan bahagian ruang tertentu. Pengasingan ruang, penutupannya dalam had tertentu adalah tugas pertama yang dihadapi oleh arkitek. Organisasi ruang terpencil, bentuk kristal yang merangkumi ruang amorf, pada dasarnya adalah ciri seni bina yang membezakan dari seni lain. Apa yang dimaksudkan sebagai ciri, dari pengalaman spasial, sensasi yang dialami dari produksi seni bina interieur'ov
21
rujukan, dari berada di dalam premis, dari sempadan ruang mereka dan dari sistem pencahayaan ruang ini - semua ini adalah ciri utama, perbezaan utama seni bina, tidak berulang dalam persepsi seni lain.
Tetapi pengasingan ruang, kaedah mengaturnya, dilakukan melalui penggunaan bentuk material: kayu, batu, bata. Dengan mengasingkan prisma ruang, arkitek menyusunnya dengan bentuk material. Oleh itu, kita pasti dapat melihat prisma ini bukan hanya dari dalam, spasial, tetapi juga dari luar, yang sudah murni volumetrik, mirip dengan persepsi patung. Namun, di sini juga, terdapat perbezaan yang sangat penting antara seni bina dan seni lain. Bentuk material untuk pemenuhan tugas ruang utama arkitek tidak sepenuhnya sewenang-wenang dalam penggabungannya. Arkitek perlu memahami undang-undang statik dan mekanik untuk mencapai matlamat, secara empirikal, intuitif atau murni secara ilmiah. Inilah bakat konstruktif asas yang semestinya wujud dalam arkitek dan yang menetapkan kaedah tertentu dalam karyanya. Penyelesaian masalah spasial pasti memerlukan kaedah organisasi tertentu ini, yang terdiri dalam menyelesaikannya dengan perbelanjaan minimum tenaga.
Oleh itu, yang pada dasarnya membezakan seorang arkitek dengan pemahat bukan sahaja organisasi ruang, tetapi pembinaan persekitarannya yang mengasingkan. Dari sini mengikuti kaedah organisasi utama arkitek, yang dunia bentuknya bukan rangkaian kemungkinan yang tidak terbatas dan tidak berkesudahan, tetapi hanya manuver yang mahir antara yang diinginkan dan yang mungkin untuk dilaksanakan, dan wajar bahawa ini mungkin mempengaruhi perkembangan sifat keinginan. Oleh kerana itu, arkitek tidak pernah membina bahkan "istana di udara" yang tidak sesuai dengan kerangka kaedah organisasi ini;
22
malah khayalan seni bina, nampaknya bebas dari pertimbangan konstruktif, dan ia memenuhi undang-undang statik dan mekanik - dan ini sudah menunjukkan ciri asas yang tidak diragukan lagi, sangat penting dalam memahami seni bina. Oleh itu, bentuk bentuk seni bina yang agak terhad dibandingkan dengan lukisan dapat difahami, dan pendekatan utama dalam memahami bentuk seni bina sebagai fungsi sokongan dan bersandar, memegang dan berbaring, tegang dan berehat, bentuk yang terbentang secara menegak dan mendatar, dan yang lain, berfungsi dari arah utama ini. Kaedah organisasi ini juga menentukan ciri-ciri berirama yang menjadi ciri seni bina. Dan, akhirnya, pada tahap tertentu, menentukan watak setiap molekul formal individu, yang selalu berbeza dengan unsur-unsur arca atau lukisan.
Oleh itu, sistem gaya seni bina terdiri daripada sejumlah masalah: spatial dan volumetrik, yang mewakili penyelesaian masalah yang sama dari dalam dan luar, yang diwujudkan oleh unsur-unsur formal; yang terakhir disusun mengikut ciri komposisi yang satu, yang menimbulkan masalah irama yang dinamik.
Hanya pemahaman mengenai gaya seni bina dalam semua kerumitan masalah ini yang dapat menjelaskan bukan hanya gaya ini, tetapi juga hubungan antara fenomena gaya individu. Oleh itu, dengan menganalisis perubahan gaya Yunani ke Rom, Romawi ke Gothic, dan lain-lain, kita sering memerhatikan ciri-ciri yang bertentangan. Oleh itu, gaya Rom, di satu pihak, dianggap oleh para penyelidik sebagai evolusi bentuk-bentuk murni warisan Hellenic, di sisi lain, kita tidak dapat memperhatikan fakta bahawa kaedah penyusunan atau organisasi ruang Struktur Rom hampir bertentangan dengan struktur Yunani.
Dengan cara yang sama, seni Renaissance awal di Itali (quattrocento) masih penuh dengan ciri-ciri individu gaya Gothic yang sudah usang, dan kaedah komposisi Renaissance sudah ada di dalamnya
23
Sejauh tahap baru dan tidak dijangka dibandingkan dengan orang Gothic, pengalaman spasial mereka sangat bertentangan sehingga mereka membangkitkan ungkapan terkenal dalam arkitek kontemporari Filaret tentang yang terakhir: “Terkutuklah orang yang mencipta sampah ini. Saya rasa hanya orang barbar yang dapat membawanya ke Itali."
Dari sudut pandangan ini, selain menilai karya seni atau keseluruhan gaya secara sejarah, iaitu, berkaitan dengan persekitaran yang menciptanya, kaedah penilaian objektif yang lain - genetik, iaitu, menentukan nilai fenomena dari segi hubungannya dengan pertumbuhan gaya yang lebih jauh, dengan evolusi proses umum. Dan memandangkan kenyataan bahawa gaya artistik, seperti fenomena kehidupan, tidak dilahirkan semula dengan segera dan tidak dalam semua perwujudannya, dan sebahagiannya bergantung sedikit atau lebih pada masa lalu, adalah mungkin untuk membezakan gaya yang secara genetik lebih berharga dan kurang berharga sejauh mereka mempunyai darjah yang mempunyai sifat yang sesuai untuk kelahiran semula, potensi untuk mencipta sesuatu yang baru. Jelas bahawa penilaian ini tidak akan selalu berkaitan dengan kualiti unsur formal karya seni. Selalunya lemah secara formal, iaitu karya yang tidak sempurna dan belum selesai berharga secara genetik, iaitu, dengan potensinya untuk yang baru, lebih dari sebuah monumen yang rapi, tetapi tetap saja menggunakan bahan usang masa lalu secara eksklusif, tidak mampu mengembangkan kreatif lebih lanjut. * * * Jadi, bagaimana? Kesinambungan atau prinsip baru yang sepenuhnya bebas terletak pada perubahan dua gaya?
Sudah tentu, kedua-duanya. Walaupun beberapa elemen penyusun yang membentuk gaya masih mengekalkan kesinambungan, selalunya yang lain, lebih sensitif, lebih cepat mencerminkan perubahan dalam kehidupan manusia dan jiwa, sudah dibangun berdasarkan prinsip yang sama sekali berbeza, sering bertentangan, sering
24
sama sekali baru dalam sejarah evolusi gaya; dan hanya setelah jangka waktu tertentu, ketika ketajaman kaedah penggabungan baru mencapai ketepuan penuh, ia sudah sampai ke elemen gaya yang lain, ke bentuk yang terpisah, tunduk pada hukum pengembangan yang sama, mengubahnya, mengikut estetika gaya baru. Sebaliknya, undang-undang gaya baru yang lain sering dicerminkan terutamanya dalam elemen formal yang sama sekali berbeza, yang pada awalnya mengekalkan kesinambungan kaedah penggabungan, yang hanya berubah secara beransur-ansur, di tempat kedua. Walau bagaimanapun, di mana sahaja jalan ini bergerak, hanya berkat dua prinsip ini: kesinambungan dan kemerdekaan, gaya baru dan lengkap dapat muncul. Fenomena gaya seni bina yang kompleks tidak dapat berubah sekaligus dan dalam segalanya. Undang-undang kesinambungan mengekang ciptaan dan kepintaran kreatif artis, menyatukan pengalaman dan keahliannya, dan undang-undang kemerdekaan adalah tuas penggerak yang memberikan kreativiti kepada jus muda yang sihat, memenuhkannya dengan ketajaman kemodenan, tanpa seni tidak lagi menjadi seni. Peningkatan gaya, padat dalam jangka waktu yang kecil, biasanya akan mencerminkan undang-undang kreativiti baru dan bebas ini, dan era kuno dan dekaden akan, dalam elemen formal atau kaedah komposisi yang terpisah, saling berkaitan dengan tempoh sebelumnya dan seterusnya gaya. Oleh itu, percanggahan yang nyata ini diselaraskan dan menemui penjelasan tidak hanya dalam munculnya gaya baru hari ini, tetapi juga pada era sejarah apa pun.
Sekiranya tidak ada kesinambungan yang diketahui, evolusi setiap budaya akan menjadi infantil tanpa batas, tidak mungkin, mungkin, mencapai puncak berbunga, yang selalu dicapai hanya dengan pemadatan pengalaman seni budaya sebelumnya.
Tetapi tanpa kemerdekaan ini, budaya akan jatuh ke usia tua yang tidak berkesudahan dan tanpa daya layu, kekal
25
selamanya, kerana tidak ada cara untuk mengunyah makanan lama tanpa henti. Kita memerlukan apa-apa yang muda, darah berani orang-orang barbar yang tidak tahu apa yang mereka lakukan, atau orang-orang dengan kehausan untuk kreativiti, dengan kesadaran akan kebenaran "I" mereka yang mapan dan bebas, supaya seni dapat diperbaharui sendiri, masukkan semula tempoh berbunga. Dan dari sini, secara psikologis dapat difahami bukan hanya orang barbar yang merosakkan, di mana darahnya yang yakin kebenaran kekuatan potensial mereka secara tidak sadar berdenyut, bahkan berkaitan dengan budaya yang sempurna, tetapi merosot, tetapi juga rangkaian "vandalisme" yang sering dijumpai di sejarah zaman budaya, ketika baru memusnahkan yang lama, bahkan yang indah dan lengkap, hanya berdasarkan kesadaran yang berani dari muda yang berani.
Mari kita ingat apa yang dikatakan oleh Alberti, wakil budaya di mana terdapat banyak unsur kesinambungan, tetapi yang pada hakikatnya adalah contoh pembentukan gaya baru:
"… Saya percaya mereka yang membina Thermes, dan Pantheon, dan segala yang lain … Dan akal lebih hebat daripada orang lain …" *.
Semua keyakinan yang sama berkembang dalam kebenaran kreatifnya sering memaksa Bramante untuk merobohkan seluruh kawasan kejiranan untuk melaksanakan projek-projek agungnya dan membuatnya untuk musuh-musuhnya yang terkenal dengan nama "Ruinante".
Tetapi dengan kejayaan yang sama nama ini dapat dikaitkan dengan mana-mana arkitek hebat Cinquecento atau Seichento. Palladio, setelah kebakaran di Istana Doge di Venice pada tahun 1577, sangat menasihatkan Senat untuk membina semula istana Gothik dengan semangat pandangan dunia Renaissance sendiri, dalam bentuk Rom. Pada tahun 1661, Bernini, ketika dia perlu membangun tiang tiang di depan Katedral St. Peter, tanpa ragu-ragu atau ragu-ragu menghancurkan Palazzo dell'Aquila Raphael.
_
* Surat kepada L. B Albert dan kepada Matteo de Bastia di Rimini (Rom, 18 November 1454). Dalam sebuah surat kepada Brunelleschi (1436) dia mengatakan: "Saya menganggap jasa kita lebih besar, kerana tanpa pemimpin, tanpa model, kita menciptakan ilmu dan seni yang belum pernah didengar atau dilihat sebelumnya."
26
Di Perancis, di era revolusi, tentu saja, ada lebih banyak contoh seperti itu. Oleh itu, pada tahun 1797 gereja lama St. Ilaria di Orleans berubah menjadi pasaran moden *.
Tetapi walaupun kita mengetepikan manifestasi ekstrem ini dari keyakinan yang yakin akan kebenaran idea kreatif pada masa kita, pandangan yang kita lontarkan pada masa lalu meyakinkan kita akan kewujudan, pada masa terbaik budaya manusia, yang sangat jelas kesedaran tentang kebenaran pemahaman bentuk moden yang bebas. Dan hanya era dekaden yang dicirikan oleh satu keinginan untuk menundukkan bentuk moden kepada kumpulan gaya abad-abad yang lalu. Idea untuk menundukkan bahagian-bahagian baru kota bukan pada badannya, yang terletak di luar ciri gaya formal, tetapi dengan gaya lama, sudah ada, bahkan bahagian bentuknya yang paling sempurna, idea yang sangat kuat dalam pemikiran arkitek terbaik kami dalam dekad yang lalu dan menjadikan mereka sering menundukkan seluruh kawasan kejiranan dan sebahagian bandar dengan ciri-ciri formal beberapa kumpulan monumen yang terdahulu dalam gaya - adalah petunjuk yang sangat baik untuk mati pucuk kreatif kemodenan. Kerana pada masa-masa terbaik, arkitek, dengan kekuatan dan ketajaman genius moden mereka, tunduk pada diri mereka sendiri bentuk-bentuk gaya yang telah dibuat sebelumnya, namun, dengan tepat meramalkan perkembangan organik bandar secara keseluruhan.
Tetapi lebih daripada itu, seorang seniman, yang melalui idea kreatifnya dan kenyataan di sekelilingnya, tidak dapat mencipta dengan cara yang berbeza. Dia hanya melakukan apa yang memenuhi otaknya, dia hanya dapat membuat bentuk modern dan paling tidak dia memikirkan apa yang akan dilakukan oleh orang lain, bahkan pendahulunya yang paling cemerlang.
Kuil Yunani, yang dipenuhi dengan satu tradisi, selama beberapa abad adalah, dalam pengertian ini,
_
* François Benois, "Seni Perancis semasa revolusi." Terjemahan disediakan untuk penerbitan oleh S. Platonova.
27
contoh yang menarik. Kuil itu, yang sudah lama dibangun, kadang-kadang memberikan kronologi bangunan di lajurnya.
Sangat jelas bahawa arkitek Yunani tidak memikirkan kesinambungan, atau tunduk pada ensembel: dia penuh dengan keinginan yang pekat dan berterusan untuk mewujudkan setiap saat bentuk yang sezaman dengannya. Dan kesinambungan dan ensembel muncul sendiri, sejauh, secara umum, pandangan kreatif Hellas tetap sama.
Dengan cara yang sama, katedral bermula pada era gaya Romanesque, jika mereka berakhir satu atau dua abad kemudian, pasti mengambil watak gaya Gothik kontemporari mereka, sama seperti arkitek Renaissance, sepenuhnya tanpa ragu-ragu, katedral selesai dimulakan dalam era dan dalam bentuk gaya Gothic., dalam bentuk paling murni dari zaman Renaissance yang sama sekali asing bagi mereka. Dan, tentu saja, mereka tidak dapat bertindak sebaliknya, kerana kreativiti sejati tidak boleh ikhlas, dan oleh itu tidak moden. Semua pertimbangan lain nampaknya tidak penting jika dibandingkan dengan keinginan yang berterusan untuk menunjukkan fisiognomi kreatif anda. Bunga tumbuh di ladang, kerana ia tidak dapat tumbuh, dan oleh itu, ia tidak dapat dipertimbangkan sama ada ia sesuai atau tidak sesuai dengan ladang yang ada sebelumnya. Sebaliknya, dia sendiri berubah dengan penampilannya gambaran umum di lapangan.
Fenomena menarik dari sudut pandang ini adalah falsafah futurisme Itali awal, yang menuju ke tahap yang lain. Dibesarkan dan dikelilingi oleh sejumlah monumen yang sempurna dari masa lalu, para seniman Itali percaya bahawa monumen ini, kerana kesempurnaannya, memberi beban yang terlalu besar pada psikologi artis dan tidak membenarkannya mencipta seni moden - dan oleh itu kesimpulan taktikal: pemusnahan semua warisan ini. Perlu memusnahkan semua muzium, memusnahkan semua monumen agar dapat
28
akan dapat mencipta sesuatu yang baru! Tetapi, tentu saja, sikap putus asa ini dapat difahami secara psikologi kerana menunjukkan kehausan para seniman untuk kreativiti yang tulen, tetapi, sayangnya, dia sama-sama menarik mati pucuk kreatif seni ini, sama seperti serangan eklektik para pasif.
Baik kepedulian terhadap kesinambungan atau kehancuran seni masa lalu tidak dapat membantu. Itu hanya gejala yang menunjukkan bahawa kita sudah dekat dengan era baru. Hanya kilatan tenaga kreatif, lahir dari kemodenan dan mencipta seniman yang tidak dapat bekerja dengan gaya apa pun, tetapi hanya dalam satu-satunya bahasa kemodenan, yang mencerminkan cara dan seni mereka, intipati sebenar hari ini, iramanya, karya hariannya dan penjagaan dan cita-citanya yang tinggi, hanya wabah yang dapat melahirkan bunga baru, fasa baru dalam evolusi bentuk, gaya baru dan benar-benar moden. Dan, mungkin, saat kita akan memasuki jalur yang diberkati ini sudah sangat dekat.
29
